Tag: art

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Mating Birds

Mating birds have astonishing capabilities. Some songbirds can expand areas of their brains during the mating season. Apparently this helps to outperform other birds in singing contests. The expansion of the brain in the preparation for mating is not so much of an interesting phenomenon in view of the fact of subsequent decline of the capacity. Of course in human engineering the expansion might be useful and the hope to repair a damaged brain is worthwhile as well. In a few years we might know how to expand brain irrespective of brain functions. The naive hope that we might just sing more beautifully in preparation for mating is probably misplaced. While everyone is talking about AI new horizons for HI as human intelligence or hybrid forms become more feasible. Meanwhile we continue to focus on our preparation for mating songs. It seems to exercise parts of the brain with the best intentions in mind. Composers have created fantastic arias and singers impressed audiences across the globe with melodies in preparation of mating like the birds. Art is full of such extraordinary examples. Let’s keep up the preparation as long as the season lasts and before climate change kicks in more forcefully. The mating season might be prolonged a bit, it might be too hot or too wet to prepare for mating as well.

VR to AI to HI
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Meta-language

Some writers accomplish the formidable task to draft a text that encompasses more than one language. Samuel Beckett surely is one of them. Arnaud Beaujeu (2011) exposes the meta-language that Beckett creates through his reductionism and minimalist style. It is first a deconstruction of language or languages expressed in French and/or English at times. There is an underlying discourse dealing with the link and sometimes opposition, but always a relationship between at least these 2 languages. Beaujeu reveals 2 other languages: « the trivial and the spiritual ». The reductionism of Beckett leads to a conscious expression of the obvious, the trivial in conversations. This, however, he turns in the theatre piece “cette fois” (original “That Time”) into a ritual, spiritual version of 3 persons A, B, C in a prayer like liturgy. In taking out the sentence structure and obligations of grammar more generally the text becomes a rhythmic reading of words. Today we might say a Rap-version of a text.
The meta-language is the spiritual experience and another kind of access and questioning of memory, eventually even reconstructing a collective memory. Maybe the meta-language is the attempt to collectivise and internalize the dialogue that has turned into a trilogue.
It is out of the memory of persons or historical evolutions that Beckett builds his meta-language. Adorno (1974) put this in a relationship to Shakespeare’s dramatic work and the experience of the horrors of Nazi-Germany.  Sarcastically put, the question to Adorno was not ” to be or not to be”, but “to die or to die”. Beckett travelled in Germany extensively in the year 1936 and faught in the 2nd World War with the French resistance.
„Paroles, musique, mémoire“ (Beaujeu, 2011) span a triangle which allows for a profound, albeit mostly empty space. Beckett offers a safety net to bridge the gap by way of reconstructing a language reduced to basics as well as meditative silence. The script lies in the meta-language and poetry is the more common access to this meta or essential level of our existence. Listening to the meta-language is like listening to polyphonic music. Some find it very disruptive, others a spiritual experience. Meta-language is all around us, like it or not. (Image: Französische Friedrichstadtkirche Berlin, Exhibition Princesses, 2023)

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Ukraine Art

The touring exhibition of art works from Ukraine 1900-1930s is on show in Brussels at the Royal Museums of fine art Brussels in November December 2023. Before Ukraine became swallowed up in the Sowjetunion there was a very active independent artist world that had close links to all capitals in Western Europe. All art disciplines were covered. The paintings of Vadym Meller from 1919 (Aquarell on carton) show designs for a dance performance to the music of Chopin. The modern designs and vivid colors reflect the conscious reference to art movements across Europe. The inspiration from dance to painting is a recurrent theme in impressionistic paintings, abstract paintings and into our own time period. Ukrainian art from early on in the 20th century had a broad scope beyond the narrow focus on art controlled by the soviets. Well worth enlarging our vision to take into account these creative masterpieces from Eastern Europe as independent voices.

Vadym Meller 1919 (Aquarell on carton), Brussels MRBAB 2023-11
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Georgia

The Republic of Georgia is honored with a wide ranging program in Brussels in the series of countries presented as part of the”Europalia” events and exhibitions. The exhibition at Bozar in the center of Brussels has a focus on the years between 1900-1936. It is astonishing to look at the creative examples of adaptations from western modern art with cubism and expressionist resemblance. Many artists had travelled to western parts of Europe or trained at well-known art schools there. Own adaptations to paintings, theatre and cinema yielded a unique style of Georgian modernism before Stalinism put an end to independent artists and their creative work.

During the short spells of political independence Georgia managed to re-establish each time a remarkable will to its own culture. Unity with artistic pluralism is a core value of the European unity and union as well. We are many and happy to have a chance with Georgian people to celebrate their artistic past and future.

catalog of exhibition Brussels 2023
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World in Common

The Tate Modern Gallery in London has an exhibition of photography on display which challenges our Western view of art works. With a focus on photography and African photographers it is complementary to the many other photo exhibitions. We have a world in common, says the title of the exhibition. The images, however, reveal another vision of African photographers. Other perspectives on beauty, architecture and the distribution of wealth and waste across the world becomes explicit. Beyond the documentary effect of a lively African scene of photography and past colonialism the forward-looking vision of African photographers is also evident. Colours and Imagination of a unique kind allow us to look beyond the current state of affairs. Rising from the ashes and western waste the colours of Africa will prevail.
Only through the force to imagine a different trajectory for the continent we shall eventually be able to see new flowers blooming.
Positive images have to be put in front of the “negativity bias” in Western media when reporting about African countries. The light, the sun, the sea and coast lines, all can contribute to the rise of Africa in various ways. The photographers in the Tate exhibition demonstrate an impressive power to go beyond the day-to-day topics.
Broadening our scope of visuals with more images from Africa certainly are  fist steps to enlarge the spectrum of photography and art. A chance to browse through the catalogue allows to go back from time to time to counter our usual stereotypes. (Image taken from Tate catalogue A world in common, 2023 Muluneh Aida 2018 p. 202-3).

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Laughing Matters

It is time to dig out our copies of Samuel Beckett. Jon Fosse refers his work back to a tradition of Samuel Beckett. It is interesting to re-read some of the plays of Beckett. The famous “Waiting for Godot” or “Endgame” figure prominently on the reading list and theatres even today. Laura Salisbury (2012) honours Beckett in devoting a book on Beckett with the subtitle: Laughing matters, comic timing. She refers to a tradition founded by Aristotle: “man is the only animal that laughs”. Even in the most horrible scenarios of war and suffering, the human brain brings up thoughts containing jokes. Laughing makes us a part of the human species. Humour then becomes the “locus and limit of the human” (Salisbury, p. 4).
It is obvious that the basic problem of jokes like most of our communication has a “sender” versus “receiver” problem. People just do not have the same sense of humor in many instances. We might even go as far as stating that a person feels at home, if cracking a joke is readily understood by surrounding people. Test your cross-cultural competence by trying and sharing laughter. It is hard to do.
Beckett succeeds in a formidable way on a philosophical level even to bridge cultures and spread his way to look at the world from a meta-perspective.
Waiting … for what? Endgame … what is the game? Is it a game? These are laughing matters. Not for all, but for many on the way, trying to learn about existential matters that define humanity.
Through choices Samuel Beckett made in his lifetime, it becomes clear that he did not shun away from the most existential choices. In World War II he joined the French resistance movement and risked his life to save our laughter. Jon Fosse appears in the footsteps of Beckett, who decided to seek the silence and remoteness to develop his work for years also in the tiny village of “Ussy sur Marne” near Meaux and a bit further away, from Paris.
In Beckett’s own words he defines what a comic spirit is;
“comic spirit: oscillation between equilibrium and lack of it” (Salisbury, p.20), referring back to Racine and Molière. It is a social skill and it is not always easy to master, like for example to suppress laughter. Aging might play additional tricks on us (reduced strength of affect inhibition). There is a cognitive element in laughter, but also an affective and a spontaneous mix of reactions.
Affect inhibition is linked to the ability to resist spontaneous impulses like laughter.
Resisting impusles, but also resistance on a philisophical kind is in Beckett’s work “a resistance to the given world, while nevertheless displaying all its violent administrations;”. (Salisbury, p.172-3). In asking what remains after we abandon belief makes it necessary to foster a resistance to brutal deviance from humanity. Laughing may matter here more than we might want to acknowledge.
Source: Salisbury, Laura (2015). Samuel Beckett: laughing matters, comic timing. Edinburgh : Edinburgh University Press.
Image: extrait Eric Desmasière, 2000 Sous le signe de la balance.

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Art to People

It is a timely move to not only rely on people to come to exhibitions or a museum, but for art and artists to go towards people. Advertising exhibitions is a first step in this direction. As photography and selfies are all around us, it is a small step to get more people interested in art through photography. The treasures of archives and libraries complement the markets for art and photography. Susan Sontag has taught us the social sciences related to photography. Learning by looking is just like the well-known learning by-doing.

The BnF in Paris is advertising at the Gare de l’Est in Paris. Passing by the board might inspire thousands of travelers and commuters to stop for an instant. Eventually being bothered and to take notice of the intriguing image or images in this reproduction of a photograph or maybe 2 blended ones. A few might note down the address or take a screenshot with their mobile camera to remember. All these instances enlarge the audience for the exhibition or motivate people to go beyond the quick shot with their smartphone camera. The artwork related to photography mostly starts after the first shot. It is in fact sometimes quite a long journey to come up with the final image. Just go for it.

Gare de l’Est Paris 2023-11 BnF exhibition
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Black and White

Nothing is just black and white. Some animals have a representation or vision of images in black and white. Just like in computing full color modes or high resolutions use more power of chips and memory. In short colors are computationally costly. For our brains this is unfortunately just as important. Therefore black and white images have a certain advantage. On the one hand they reduce an image to its essential elements, on the other hand they allow a faster grasp of the message or content at sight.

The BNF presents a wide range of images in black and white from the time that color photography has been available, but photographers consciously chose to represent their image in black and white (1907-). Obviously with black and white photography we maximize contrasts. An image can be converted into a graphical representation like a black and white pencil sketch or drawing. A few more nuances are introduced in applying perspectives to capture or to produce by use of lighting forefronts and shadows.

Using different materials as support of photography allows us additional creativity and stunning effects. Lighting from behind the image is popular in advertisements on our high-streets. Last but not least using techniques of color photography gave rise in modern black and white photography to allow for chromatic transitions and contrasts within images.

All this is well documented in the exposition and ample examples make it a formidable visual learning experience. From the origins of just black and white we have come around to the fabulous and magical in black and white. In reducing to black and white the essential becomes more visible. The superfluous is blackened or whitened out. It is a skill of importance nowadays to focus on essentials and to find new ways to go beyond the obvious shot.

BnF 2023-11-10 B/W
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Comme les peintres

« Moi aussi, comme les peintres, j’ai mes modèles ». So beginnt ein Gedicht von Jacques Prévert. Ein Klassiker der französischen Poesie. Prosagedichte sind eine Gattung der Gedichte, die in kurzen Texten einen Moment oder Augenblick einfangen und sublimieren. In diesem Genre publiziert Philippe Delerm seit Jahren prosaische Gedichte. Der in 2023 erschienene Band „Les instants suspendus“ reiht sich ein in die Sammlungen von Momentaufnahmen, die sprachlich veredelt die Wahrnehmungen schärfen und sie zum Salz des Lebens werden lassen.
Für Weinliebhabende drängt sich die Assoziation „vendanges tardives“ (späte Lese) auf. Während wir in deutschen Weinanbaugebieten ganz nüchtern die zu erreichenden Öchsle für die Spätlese zählen, verbindet Delerm mit den „vendanges tardives“ „une jeunesse prolongée, glissant vers la mélancolie, et célébrant mezza voce le mariage de l’automne et de l’été “. (2023, S.87).
Die Sammlung „Les instants suspendus“ – auf Deutsch vielleicht „Momente, die schweben“ bietet zahlreiche, aufheiternde und, ja auch erhebende Augenblicke, die trotz der Intensität der Schilderung für viele Menschen Anknüpfungspunkte bieten. Übersetzen lassen sich die Szenen schon, aber es schwingt bei den kurzen 200-300 Wörter umfassenden Texten viel französisches Flair mit.
Bei „Commander l’eau“ wird „Le bruit de l’eau dans la bouteille devient chant“. Wasser einfüllen ist Musik. Oder, « Le moteur de la deux-chevaux », der Motor des 2 CV, « c’était humble et c’est devenu chic », das war bescheiden und ist schick geworden. (S.82). Das federnde, schwebende Fahrgefühl wird bei Delerm ein „accord prolongé“, zu einem nachwirkenden, verlängerten Akkord.
Aus dem Netz der Spinne (toile d’araignée) wird der Stern der Spinne (étoile d’araignée) auf Seite 101. Fast alle hätten diesen Versprecher schon gemacht, aber es ist einer der Wenigen, den die Erwachsenen nicht berichtigen.
Lassen wir den Kindern ihre „instants suspendus“, ihre Momente der Poesie.
(Image: Innenansicht und S.9 Anregung Proust zu lesen im Vorspann).

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Flotow Darmstadt

Warum wählt ein weitgereister Komponist Darmstadt als seine finale Station im Lebensverlauf? Familiäre und persönliche Angelegenheiten haben sicherlich viel dazu beigetragen vgl. Biografie. Kreativität in fortgeschrittenen Lebensphasen hat viel mit professioneller Routine zu tun, aber eben auch mit harter Arbeit, wenn die Ansprüche an die eigene Kreativität und Arbeit den groben Linien des eigenen Werdegangs gerecht werden sollen. Annehmlichkeiten des Lebens, wie Parks und einfache Erreichbarkeit von kulturellen Events, waren im aufstrebenden Darmstadt vorhanden. Die Nähe zu Frankfurt (Buchmesse für Libretti), Wiesbaden und Mainz sind weitere Pluspunkte. Ruhe zum Arbeiten gleichfalls.
Die Stadt Darmstadt hat es dem Komponisten seine Wahlheimat langfristig gedankt. Auf dem Alten Friedhof in Darmstadt befindet sich die eindrucksvolle Gedenkstätte für Flotow, ihm zu Ehren gewidmet von seiner Gattin Rosa und seiner Schwester Bernardine sowie den beiden Kindern.
Für seine beachtliche Zahl an Followern, beispielsweise 60.000+ auf der Plattform Spotify, wird es besonders freuen, dass sein größter Hit „die letzte Rose“ bildlich bei der Grabpflege eine anmutende Rolle spielt.

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Komposition

Es ist eher selten geworden, dass sich große Häuser der Musik den Komponisten der Moderne widmen. Es sind wohl auch nicht viele Publikumsrenner dabei. Das liegt sicherlich zu großen Teilen an der mangelnden Bekanntheit der Werke moderner Komponierenden und ihrer Werke. Karlheinz Stockhausen bildet da keine Ausnahme mehr. Das Konzerthaus Berlin hat in seiner Reihe 2 x hören einen Abend einem Werk von Stockhausen gewidmet. „In Freundschaft“. Wichtig ist zu diesem Werk eine Einführung in die Kompositionstheorie von Stockhausen. Die serielle Komposition baut auf einer einfachen Struktur von Notengruppen auf. Christian Jost erläutert zusammen mit den Vortragenden in einzigartiger musikpädagogischer Weise die Komposition. Eine Information über Wikipedia vorab erleichtert den Zugang und lässt uns die Komposition vereinfacht nachvollziehen. Auf Youtube gibt es dann verschiedene Versionen für jeweils andere Soloinstrumente zu finden. Beispiel Klarinette hier. Die Basiselemente bestehen aus 1,3,2,5,8 Noten, also ein Gesamtthema von 19 Noten aus 5 seriellen Bestandteilen. Die Variationsmöglichkeiten bilden bereits eine vielfältige Auswahl plus den anderen Varianten wie Spiegelungen oder Transkriptionen auf höhere oder tiefere Tonlagen. Komponieren wird spielerisch und bleibt ein Klangerlebnis. Reinhören online lohnt sich zum Verständnis moderner Ansätze der Kompositionstechnik.

1,3,2,5,8 Noten als Ausgangspunkt Stockhausen
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Luftschloss

Im K21 der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen ist ein Luftschloss eingebaut worden. Es ist das einzige mir bekannte Luftschloss, das für alle Besuchenden begehbar und fühlbar ist. In wahrhaft luftiger Höhe von 25+ Metern über der Eingangshalle der Kunsthalle K21 und zentral unter der gläsernen Dachkuppel platziert, lässt sich mal so richtig abhängen. Nahezu schwebend kann die weiträumige Installation von Tomás Saraceno erklommen werden. Die Schritte und wippenden Bewegungen der anderen BesucherInnen lassen sich unvermittelt ebenfalls erspüren. Du bist nicht allein, im originären Sinne des Wortes. Die buchstäbliche Vernetzung mit allen anderen Personen werden durch Schwingungen des Netzes zu anderen Kletternden oder Chillenden übertragen. Eine unmittelbar erlebbare Erfahrung der Verbundenheit mit unbekannten, anderen Menschen stellt sich ein. Die Verbundenheit innerhalb einer Gesellschaft wird eindringlich verdeutlicht. Die Angst, durch die Höhe verursacht, weicht rasch der freudigen Erfahrung der Schwebung und der kindlichen Erfahrung der Suspension. Nahezu freischwebend in der Luft, im Orbit erlebt jede/r sein eigenes Luftschloss inmitten von transparenten Kugeln, die wie Planeten wirken. Gleichsam real, aber dennoch imaginär durchwandern wir die Installation immer im Bewusstsein, dass andere um uns sind, die unsere Schritte, Möglichkeiten und Haltungen mit beeinflussen. Vom Luftschloss träumen oder im Luftschloss träumen, beides ist dort machbar.
CO2 freundlich lässt sich die Erfahrung in der APP Aerocene fortsetzen. Der für unser Wetter so bedeutsame Jetstream wird zur imaginären Flugerfahrung genutzt und mit recht aktuellen Daten gespeist. Die Verbindung zu „Earth and Space Sciences“ ermöglicht die Einbettung der sozialen Erfahrung in einen noch weiteren Kontext.
Die eigenen 4 Wände sind die Grenze. Das galt schon früher nicht. Weit darüber hinaus lassen sich neue Möglichkeiten erschließen, die nicht umweltbelastend sind. Selbst die Reichstagskuppel in Berlin sehe ich plötzlich mit ganz anderen Augen. Mehr als Möglichkeitsraum, statt der traurigen Vergangenheit und der zerstrittenen Gegenwart. Was wäre die Kunst, wenn sie nicht zum Träumen anregen würde.

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Kunstsammlung

Viele Kunstsammlungen in der westlich dominierten Kunstwelt haben nicht nur ein Übermaß an Beständen von Männern gegenüber von Frauen, sondern ein noch größeres Gefälle zwischen westlichen Kunstschaffenden und Kunstschaffende globaleren Ursprungs. Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen versucht in 2023, diesem Bias zu begegnen. Die Preisträgein des K21 Global Art Award an die Südafrikanerin Senzeni Mthwakazi Marasela (Image unten aus der Ausstellung K21) steht für starke Frauen, die mittels der Kunst, Geschichte und Geschichten erzählen und damit dokumentieren. Wir brauchen viele dieser Stimmen.
Der Kunstkalender 2023 bringt zudem über den Jahreswechsel hinaus „Isaac Julien“ in die Kunsthallen in Düsseldorf mit seinen beeindruckenden Filminstallationen. Immer unter dem Thema der Gleichberechtigung sind seine Werke eine unablässige Hinterfragung der von uns, der Gesellschaft, produzierten und sich ständig reproduzierenden feinen Unterschiede. „What freedom is for me”, so der Untertitel der Ausstellung, erlaubt den Perspektivenwechsel und, sich die Bedeutung des Freiheitsstrebens der „People of Colour“ zu vergegenwärtigen. Jenseits der Freiheit, als Abwesenheit von Unterdrückung, Angst und Ausbeutung ist Freiheit etwas zu tun, zu denken, sich auszudrücken die Nagelprobe auch der Gleichberechtigung. Unsere großen Ausstellungshäuser und Sammlungen sind sich ihrer Verantwortung bewusst geworden. Manche Museen erwachen gerade erst aus den Schrecken, die sie in ihren Sammlungen vorfinden. Im Interesse der Freiheit und Gleichberechtigung erwächst den öffentlichen Institutionen dabei eine Verantwortung, die immer schon da war, aber erst in den letzten Jahren intensiver angegangen wird.
Jede Sammlung ist selektiv, sonst wäre es wohl keine Sammlung. Den Waffen- und Trophäensammlungen der letzten Jahrhunderte müssen wir heutzutage Sammlungen hinzufügen, die neue Möglichkeitsräume erschließen und Empowerment befördern. Los, sammeln wir. Senzeni Mthwakazi Marasela 2023 K21clipvideo

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Selfie 3D

Wir meinen gerne die heutigen Gewohnheiten, wie die ständigen Selbstbildnisse seien eine Erscheinung des 21. Jahrhunderts. Weit gefehlt. Wer es sich früher schon leisten konnte, hat sich malen lassen. Photographen haben später diesen Markt übernommen. Aber eben auch Kunstschaffende haben seit langer Zeit ihr Selbstbildnis gezeichnet, gemalt und in Stein oder Gips geformt. Selfies sind daher eher die Demokratisierung der Möglichkeiten, sich selbst zu inszenieren. Eben sich so zu portraitieren, wie sie oder er sich selbst sieht, sehen möchte oder gesehen werden möchte. Es ist daher weniger ein narzisstischer Charakterzug die Antriebsfeder, sondern für die meisten Menschen steht ein Teilen, eine Form der Interaktion mit anderen im Vordergrund. Die portraitierte Person ist da, auch wenn sie gerade nicht da ist.
Diese Intention haben Herrschende jahrtausendelang genutzt und sich Mausoleen und Pyramiden errichten lassen. Gut, dass diese Praxis weit in den Hintergrund getreten ist. Heute regeln wir bereits unseren digitalen Nachlass in Ergänzung zu unserer analogen Hinterlassenschaft. Für viele werden dabei, ganze Sammlungen von vielfältigen Selbstbildnissen zu verwalten sein. Die 3D-Ausdrucke unserer Gesichtscanns samt mehr oder weniger noch vorhandener Haarpracht kommen dann in eine eigens vorbereitete Vitrine. Selbstverständlich gehören die MRTs und sonstige Scanns von ZahnärztInnen auch in die Sammlung. 3D ist schon ein guter Anfang auf der Interaktionsreise mittels Selbstbildnis. 4D Realisationen, wie Yoko Ono mit ihrem Cut Piece 1967 kamen dann später. (Photos from Friedrichwerderschen Museumskirche, Berlin 2023 Austellung Ideal und Form, li: Schadow Selbstbildnis, mi: von Kahle, re: Rauch).

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Berlin Grün

Zur Berlin Art Week BAW 2023 wurden der Neuen Nationalgalerie ein paar Blumen und Baumkästen spendiert. Alles nur vorübergehend. So erblühte die Rose von Isa Genzken schon vorher und sicherlich noch etwas länger vor der Neuen Nationalgalerie. Steht der Galerie gar nicht schlecht. Vielleicht etwas sehr figürlich und wenig auf die Schätze der Moderne hinweisend. Das ist schon eher post-modern. Rückbesinnen auf die Werte der Natur, dass Stahl und Glas eben nicht umsonst zu haben sind, sondern erhebliche Umweltkosten mitsichbringen. Das regt zum Nachdenken an. Solarzellen, quasi unsichtbar auf dem großzügigen Flachdach der Galerie und für die geplante Scheune nebenan? Kunsträume stehen ebenfalls in der Verantwortung für die Überlebensbedingungen unseres Planeten. Denkmalschutz kann weitgehend eine Bremse sein, aber die energetische Verantwortlichkeit der immer gut gekühlten und beheizten Räume sollten auch wegweisend in dieser Richtung sein. Da gibt es noch viele Potenziale, die es auszuschöpfen gilt. Damit kann dann auch mehr Kunst gezeigt werden, da die laufenden Kosten gesenkt werden können für mehr als eine Wahlperiode oder Amtsperiode einer Hausleitung. Also Kunst kann einen schon auf unangenehme Gedanken bringen, die die Kunstschaffenden und Kuratierenden selbst betreffen. Isa Genzken und die BAW setzen Zeichen, die vielleicht so gar nicht unbedingt geplant waren. Nice.

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Heritage Day

A heritage is something you might carry with you, no matter whether you like it or not. In architecture this is most vivid and visible. On the 2023 heritage day i Brussels many monuments and institutions open their prestigious buildings to the public and show off their “silver” or gold plated walls and ceilings. Just next to Royal Palace is the home of princesses and princes now inhabited by the Royal Academy. Even the stables have been packed with books now, all in all 19 km of shelves packed with papers of all sorts. Great that many academics and academies have shifted to electronic publishing so that the CO2 footprint of science and art can finally be reduced as well.
Of course, we adore the old postcards to learn about historical trajectories of architecture and specific buildings. The collection is a great collective memory.

Royal Academy Archives Brussels 2023
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Biermann poetic

Wolf Biermann is probably most known and still controversial in Germany. His outspokenness in the GDR already caused a lot of trouble leading to his forced expatriation, but a warm welcome in the FRG. Most people from the baby boom generations know some of his songs prominent in the peace movements of the 1970s. Much less know is his relentless fascination with poetry. The Staatsbibliothek Berlin devoted 2 readings to his translations of poetry of Shakespeare and his French preferred poets and song writers. The expert reading and intonation of the French originals and Biermann’s translations was presented with enthusiasm as part of “the poetic coffee break” in the modern Stabi West. Hinrich Schmidt-Henkel presented in a lively fashion some of the work of Biermann and his remarks on the idiosyncratic style of Wolf Biermann were very much to the point. The translations form a unique style of translations, where it is possible to identify Biermann as translator. Here we enter into the theory of translation, where we tend to view the personality of the translator secondary to the first author of a poem. In Biermann’s case he seems to deviate consciously from this path. Doing translations becomes a kind of exercise to work and improve your own poetic skills. Exercise in metrics, lyrics and melody appear like a meditation on classical texts. In the translations from French, more than the ones from English, there is at occasions an additional critical or “Verfremdungseffekt” present, which enhances the translations with respect to the original. What are those translations? Perhaps more intended as “Pastiche” as the translators version of “rendre hommage” to his idols. In any case a memorable series of events in the Stabi. The small exposition of mainly books is another highlight, which facilitates the glancing through and reading of more of the writings of Wolf Biermann. The DHM has additional material on life and career of Biermann in a current exhibition. The strength of cultural institutes is the cooperation on specific projects. All in all, this is a great and rewarding effort honoring a troubadour between and beyond frontiers just like Bob Dylan, the other now acclaimed hero of the peace movement.

Hinrich Schmidt-Henkel in Stabi 2023-9-12
Lese Lounge Wolf Biermann 2023-9
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Participative Art

Beyond participation in the performance based on Yoko Ono’s Cut piece 1964, you had the possibility to imagine yourself as a sculptor by touching a sculpture of art attached to the Genzken exposition, nothing less than the head and bust of Nefertete, also a piece transformed by Genzken and exposed, untouchable, in the exposition. You can hardly get more involved and incited to participate with hands-on experience, so to speak.
Additionally, there is the perspective from the performing artist in “Yoko Ono’s Cut Piece” to confront the spectators with a silent, stoic expression hardly moving during the more than 90 minutes performance. Imagine, what kind of vulnerability you are risking. Artists give a lot from themselves to the public. Imagination is even going beyond the act performed. Mastering your own fear of mutilation or being exposed to views, touching and multiple other forms of sensation.
This surely is an exercise of mental strength. Spectators also interact with other participants as, for example, spontaneously another spectator too the scissors to cut his own shirt in front of the performing artist and covered the shoulder of the performer. The personal interaction assures a more intense experience of art.
After all, this is a well-known principle to enhance learning experiences as well. Imagine all the people, each taking just a tiny little piece and remember their experience that they, as well, can be actively contributing to art. Reviving this participatory experience is leading beyond imagining only your participation. Democracy is built on this stimulating experience as well. It is ever so necessary to foster participation and to overcome indifference or abstention. Learning  by doing, or experiencing through touching, offer many additional insights.
(Images and videos taken on 2023-9-12, Berlin)

Yoko Ono Cut Piece 2023 Berlin

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Revival

Almost 50 years after the first performance of Yoko Ono “cut piece” (1964), as a silent performance, it was performed again at the beginning of the Berlin Art Week (BAW2023). The “Neue Nationalgalerie” opened the art week somehow, in honour of her. The performance consists in the interaction with the audience inviting persons to approach her in front of the other spectators to cut a piece of her dress. They are allowed to keep the cutting and walk away with a little piece of her dress. In the 60s this was quite a big deal. Nowadays, after the fall of the wall and the wrap-up of the Reichstag by the Christo couple, we have become used to such kinds of take-home pieces and sharing in art work or historic moments. Hence, this was the chance for Berliners to add another valuable piece to their collection consisting of a piece of painted concrete from the Berlin wall as of 1989, Christo-foil in 1995 from the Reichstag and now the tissue from the live performance in honor of Yoko Ono.
The participation in the art performance invites several interesting approaches.
First the artist exposes herself in an extremely vulnerable fashion. The scissors in front of her make for a weapon in the hands of an aggressive person. Therefore, the number of security guards was beyond the scope of a normal protection of art hanging on the wall or sculptures exposed. In the background of the performance is the exposition of work from Isa Genzken which has been much less of a security risk. Her super-size rose in front of the gallery is accessible night and day. Some of the images taken have a somewhat blurred, more distant view on some pieces of Genzken’s work as well. The entry hall of the Neue Nationalgalerie allows a fabulous transparency of art and invites persons passing-by to attend spontaneously the performance as well.
(Images and videos taken on 2023-9-12, Berlin). Video Clip here.

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Li-Be

Jede/r hat so seine Assoziationen mit Li_be. Für eine kleine Gruppe von Literaturbegeisterten steht Li-Be seit langem für das Literaturhaus Berlin. Das war nun ebenfalls, anlässlich des Tag des Offenen Denkmals, im September 2023, als solches zu besichtigen. Zentral am Ku’damm plaziert, in der benachbarten Fasanenstraße, liegt diese geschichtsträchtige Villa in mitten eines kleinen Gartens. Trotz wechselvoller Geschichte konnte die Villa als Ganzes erhalten werden, nachdem der Denkmalschutz Veränderungen untersagt hatte. Das Haus der Li-Be hat wirklich alles gesehen, was Leute sich unter Liebe so vorstellen und wahrscheinlich noch einiges mehr. Nach den familiären Nutzungen der Gründerzeit, wurde in den wilden 20er Jahren dort ein russischer und ein arabischer Studentenclub eingerichtet in Verbindung mit der Humboldt-Stiftung, die sich auch heute noch um den wissenschaftlichen Austausch bemüht. Das Rote Kreuz hatte eine erfolgreiche Suppenküche dort in der unmittelbaren Nachkriegszeit betrieben. In den 60er Jahren war es ein Nachtlokal, aber auch einige Jahre ein Studio für modernen Tanz von Manja Chmiél, einer Schülerin von Mary Wigman. Die heutige Nutzung hat weiterhin viel mit Liebe zu tun. Lesungen und Workshops laden laufend ein, sich mit Literatur zu befassen. Der Zeit angemessen finden sich in den Archiven des Literaturhauses zahlreiche Prominente AutorInnen, die Lesungen dort abgehalten haben. Starke Frauen bildeten dabei seit den Anfängen als Literaturhaus einen Schwerpunkt. Nobelpreisträgerinnen gehören zu den Vorleserinnen seit geraumer Zeit. Annie Ernaud und Herta Müller traten schon lange vor den Nobelpreisen dort auf. Toni Morrison und Olga Tokarczuk im  Jahr der Preisverleihung oder kurz danach. Ein wahrlich toller Ort und dennoch keineswegs mit BesucherInnen überlaufen. Es bleibt eben so eine Sache mit der Liebe, auch im Li-Be.

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Widmann

Jörg Widmann hat seinen Einstand bei den Berliner Philharmonikern als „Composer in Residence“ gegeben. Die Schwester, Carolin Widmann interpretierte das Violinkonzert Nr. 2 von Jörg Widmann als Solistin. Das war ein ganz besonderer Abend. Die Widmanns haben doch tatsächlich gemeinsam die Einführung in das Programm des Abends mitgestaltet, eine ¾ Stunde vor dem Konzert im großen Saal der Philharmonie. Mit Begeisterung haben die beiden Geschwister von der gemeinsamen Zeit der Entdeckungen rund um die Violine in ihrer Kindheit erzählt. Damit wird die faszinierende kindlich, unschuldige, nahezu naive unbedarfte Herangehensweise an das Instrument verdeutlicht, die so charakteristisch ist für den Anfang des Violinkonzerts. Die Entdeckung eines Klangkörpers (vom einzelnen Instrument bis zum Tutti) geht aber rasch weiter zu einer Demonstration der vielfältigen Gefühls- und Virtuositätsregister der Violine. Paganini lässt grüßen, könnte man meinen.
Kaum klingt eine virtuose Passage an, da hinterfragt der Komponist die eigene Begeisterung. Ist das nicht einfach nur Akrobatik, um dem Publikum zu gefallen? Zweifel stellen sich ein und etwas Distanz zum gefälligen Wohlklang. Reflektierte Virtuosität, der Soziologe würde vielleicht auch reflexive Virtuosität als kompositorisches Element verwenden wollen. Notation von Musik und Klängen hat seit dem wohltemperierten Klavier relativ feste Vorgaben. Daran hat sich Jörg Widmann zu 98 Prozent wohl gehalten. Die anfängliche Erkundung des Klangkörpers Violine lässt sich aber nur anders notieren. Innovativ, mit mehr Raum für Interpretation in der Aufführungspraxis. Das betonte so auch die Schwester, die nun wirklich dem Komponisten sehr eng verbunden ist. Interessant war daher ihr Kommentar, dass diese Anfangsstelle für sie gleichsam die größte Herausforderung darstellt.
Die folgende „Fantasie für Klarinette solo“ von Jörg Widmann passte daher gut zu dieser Erkundungsreise von Instrumenten des Symphonieorchesters. Die Klarinette hat in allen Musikepochen und Stilrichtungen ihren Platz behauptet. All diese Anklänge lassen sich in dem Solo, welches der Komponist selbst dargeboten hat, wiederfinden.
Nach dieser aufregenden Reise durch die Jahrhunderte der Musikgeschichte stand die „Reformationssymphonie“ von Felix Mendelssohn-Bartholdy auf dem Programm. Spannend war die Umsetzung „dieser Art von Teufelsaustreibung“ (Worte von Jörg Widmann) mit dem „2. jüdischen“ Satz und dem „3. protestantischen“ Satz der Symphonie in denen Felix Mendelssohn-Bartholdy seine beiden Wurzeln in den Gesängen und Liturgien in Andeutungen aufnimmt. Mit Klängen und Fängen der ausgehenden Romantik wurden wir in den weiteren Abend entlassen, samt Eindrücken aus der Ausstellung zu der Entstehung (60 Jahre) und der Architektur der Berliner Philharmonie und dem Scharoun Ensemble (40 Jahre) der Gebäude einschließlich der Stabi West. Das Mendelssohn Archiv hat in der benachbarten Stabi West einen kleinen, feinen Ausstellungsraum mitten im großen Lesesaal. So haben wir einen umfassenden Rundblick und Ausblick genießen können, die dem Kulturforum in eindrücklicher, dennoch unaufdringlicher Weise, eine hervorragende Stellung einräumen.
(Image: Jörg Widmann jenseits des Schattens von Furtwängler 2023-9-9)

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Denkmal

Jedes Jahr gibt es die hervorragende Möglichkeit am Tag des offenen Denkmals, historisch wertvolle Gebäude und Anlagen zu besichtigen. An heißen Tagen, wie in 2023, sind Altbauten oder klimatisierte Räumlichkeiten besonders bevorzugt. Die Philharmonie hat erneut die Möglichkeit geboten ohne langwierige Voranmeldung, spontan vorbeizukommen und an einer Führung teilzunehmen. Das von Hans Scharoun entworfene Gebäude samt seiner akustischen Spitzfindigkeiten bietet spannende Einblicke. Stille, Sound und Noise in einem Gebäude und Konzertsaal will sorgfältig geplant sein. Kompromisse mit verfügbaren finanziellen Mitteln und Planungsverfahren gehören zur baulichen Realisierung, wie eventuell zu den Kompositionen, die dort aufgeführt werden. Heute erscheint uns die gelungene Akustik als historischer Meilenstein. Ebenso die Form des Konzertsaals mit Plätzen hinter dem Orchester, aber auf das Gesicht der Dirigierenden bietet einzigartige Einblicke in die Praxis der Aufführung. Für 10 Minuten war selbst bei der Führung zufällig ein Zuschauen bei der Generalprobe der Berliner Philharmoniker von weitem erlaubt. Komponist und Dirigent Jörg Widmann probte noch Ausschnitte aus der am Abend aufzuführenden Werke. Selbst hoch unter dem Dach der Philharmonie konnten die leisen Ansagen des Dirigenten leicht verstanden werden. Akustische Meisterleistung der Architekten. Wer hätte gedacht, dass Anfang der 60er Jahre eine solche Glanzleistung möglich war, im Berlin, das gerade erst durch die Mauer getrennt werden sollte und dann geteilt überleben musste.

Entwurf Hans Scharoun Ausgestellt in Berliner Philharmonie 2023
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Silence

In the modern world places of silence have become rare. During the industrialisation noise has become a synonym for modernism. Many people even celebrate noisy engines as an image of strength or horse power. In the wake of the 21st century is has become evident that this co-evolution has made us sick and whole cities suffer from the abundant sources of noise.
Can we talk about silence? No, wrong approach, but we can write or realise images dealing with silence. Yes, surely. Spiritual locations often build on the mystic experience that silence might incur. Measuring silence in physics is a lot more complicated. Sound has several forms of measurement. Also, silence is probably experienced by most of us as a relative concept. Compared to a noisy atmosphere we might appreciate less noisy situations as more or less silent already.
Therefore, a reasonable, but evasive definition of silence is the absence of noise. Depending on our auditive capabilities different persons will define silence at different levels. Sound near us blends into sound in the background and vice versa.
Temporality plays an important role. In complete silence we might imagine even to be dead. Otherwise, some distant vibes or vibrations will reach us and potentially stimulate our senses. Silence works as a bridge between two atmospheric impressions. It creates a feeling of expectation for something still unknown. Silence is underrated as our smart phone attempts to disrupt silence as much as possible to draw our attention to messages or reminders. Hence, silence is about to be turned into a new status symbol. Practice of meditation, listening to isolate and subsequently to discard sound, has become an advanced level competence, not only for musicians. Feel free to be silent and see what happens around you. It is easy in locations of supposed spirituality or in most libraries. Almost everywhere else you have a hard time to experience a silent atmosphere.
The composer John Cage made silence the title of one of his quite well known pieces. The willingness to pay for the entry to the silent concert might be surprising although the listening experience is unique to each location and diversity of audience. Composing silence remains a challenge, making noise is easy. (Image: NASA/ESA Hubble Space Telescope, extract of Link)

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Write, write, write

A poster announcing the “internationales literaturfestival berlin 2023” prints in big letters: “Read, read, read, … 14 times”. This is a quote from Werner Herzog when he was asked what makes a good filmmaker. The message from Manjeet Mann to the young audience at Berlin added to this: “write, write, write”. At least this was my impression as a summary of the talk and her short readings from her novel in verse “The crossing”.
The lecture hall of the “Stabi” was packed with students from high-school who felt at ease with the English language presentation and talk. The host Shiva Mesgarian managed to get the crowd of students to ask questions in the huge lecture theatre. Manjeet was giving a lot of insights into writing, editing, motivation and the difficulty to give a voice to persons from marginalized backgrounds. In her case as a person of colour herself, born and raised in England with additional links to India, she took issue with the topic of refugees. Living in Folkestone (Kent), she is confronted with people crossing the Channel on a daily basis.
Her book “The crossing” is actually building bridges between countries and continents. Her entertaining way to talk about her hard work as writer motivates, inspires and encourages young persons to pick up their pencil and/or notebook to start writing. Just don’t stop. Journaling helps. Take your emotions of an issue seriously, then work on it. Give characters a voice who have not received much attention. Go out and interview persons to get authentic input.
It is not about appropriation of a story. It is about meeting and exchanging with marginalised persons. Return your written pieces to those “sensitive readers”, whose story you attempt to develop. All this takes time. Re-writing is an important element as well. “Having written the story for yourself, you then re-write it for the readers”. Edit, clarify, sharpen, blur, attend to detail – all this helps the reader to follow and enjoy. These were the messages to all the students who were grateful for advice as the new season of essay writing in school, university and beyond is about to start.

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Poetic Coffee Break

The rather stiff and rigid structure of the “Staatsbibliothek” in Berlin does not yet have a reputation to be a place of poetry, translation of poetry and recitals. This is about to change. As a student, researcher or lecturer I would have adored to see my library proposing a poetic coffee break. I would have gone for the necessary break in the afternoon, the coffee and, okay why not, a poetic experience.  This time it was different. The organisers, “ilb and Stabi” got together and Ursula Jäcker together with Michael Bucher presented poetry from Shakespeare (Sonnet) in English followed by the German translation by Wolf Biermann.
Translating poetry is a very tricky thing. Just try it yourself and you will be full of admiration for the admirable work of translators of words, sentiments, rhyme and rhythms. The presentation of Biermann’s comments on his own work on translating Shakespeare’s sonnets gave interesting additional information on the short and precise English original and the longer, somehow fat translations into German (Biermann’s words). Thanks for the indication that Biermann deviated from the Shakespearean “iambic pentameter” to add a sixth foot most of the time (to be checked OMG). The choice of numbers 6, 18, 27, 66, 73, 76, 121, 147, 154 from the Shakespeare Sonnets were witty and entertaining for a coffee break. For example, from 27:
“And keep my drooping eyelids open wide,
Looking on darkness which the blind do see:…”
Also, from 76:
“Why write I still all one, ever the same,
And keep invention in a noted weed,
That every word doth almost tell my name,
Showing their birth, and where they did proceed?”
More than 400 years ago, these rhymes were drafted and still today writers and learners, at the Stabi and beyond, can somehow identify with the intricacies of the process of creative writing.
More of this, we need, today and for tomorrow. THX.