Tag: Kunstschaffende

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Forschen

Forschung betreiben ist meistens das Bohren dicker Bretter. Verständlich, dass das nicht jedermanns oder jederfraus Sache ist. Wer sitzt schon gerne alleine in einer kleinen Zelle und schreibt seine Forschungsergebnisse auf oder liest endlos lange und viel vorherige Forschung? Da ist ein Besuch in Archiven, Laboren oder anderen Datenarchiven schon etwas unterhaltsamer. Forschung ist überwiegend theoriegeleitet. Von Einzelfällen abstrahierende Theorien lassen die Forschenden entweder an diesen Theorien weiterarbeiten oder vielfach irgendeine Form von Daten sammeln mittels derer sie dann die Theorie(n) testen können. Eine Herausforderung an diese Arbeitsweise stellt die rein datengetriebene Induktion dar. Sozusagen der „deus ex machina“ erwächst aus einer hinreichend großen, am besten sich ständig erweiternden, Datenbasis. Wetterdaten, Verkehrsdaten, Krankheitsdaten, Börsendaten und Arbeitsmarktdaten bieten für sowohl für deduktive als auch induktive Verfahren hervorragende Beispiele. Datensammeln in Archiven, beispielsweise Rekonstruktion oder Interpretation eines Lebensverlaufs aus Korrespondenz ist ein klassisches Verfahren von meistens LiteraturwissenschaftlerInnen. Manche Archive belohnen die Forschenden mit Glanz und andere mit Gloria, selten mit beidem. Glänzende Aussichten bietet die biographische Forschung zu Komponisten und MusikerInnen in Paris. In der kleinen, aber sehr feinen Bibliothek der „Opera Garnier“ bin ich zu dem Komponisten Flotow fündig geworden. Es befinden sich dort in der Komponistenakte Zeitungsausschnitte, die 150 Jahre alt sind und ein Büchlein aus frühen DDR-Zeiten, die den Aristokratenkomponist durchaus kritisch durchleuchten. Die Ablenkung auf dem Weg in die Bibliothek und dem Archiv der Oper ist allerdings atemberaubend, also nur für ganz überzeugte Forschende zu empfehlen. Die meisten werden von der Opulenz des Bauwerks so beeindruckt, dass jegliche Forschungsfrage und Theorie „backstage“ verwiesen werden. Selbst backstage kann es ziemlich schön sein.

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Corbusier

Le Corbusier (1887-1965) chose his artist’s name instead of his lengthy original name of Charles-Édouard Jeanneret at the age of 33 (in 1920) after having moved from Switzerland to Paris in 1917. He established a theory of modern architecture often summarised in his 5 major principles of modern architecture: 1. Pilotis as grid of pillars, 2. freeing ground floor design, 3. more open facades, 4. windows stretch horizontally, 5. garden, terrace on the roof. All these principles allow a more healthy living environment due to more light, less humidity in buildings and ease of circulation. The house Le Corbusier designed features surprising effects of light and lightness of living. “Les maisons La Roche et Jeanneret” date from 1923 and was completed in 1925. These purists Villas breathe thanks to the impression of abundant empty spaces despite relatively small surfaces. One Villa is designed for a small family, the second for a single person (Raoul La Roche) with a collection of paintings to be exposed in a small gallery. The focus on essentials of living, health, light, water, air and art combine to a relaxing and inspiring atmosphere.  Despite many of his convictions to build affordable housing for many people, which received mixed success, his “maisons bourgeoises” in Paris and elsewhere remain masterpieces beyond the 1920s and the 20th century. Le Corbusier was concerned about tuberculosis. Today the corona-crisis has reached comparable health concerns. Architecture might react to the latter crisis in re-considering the lessons from the former. Relaxing in a Le Corbusier Chaise longue and meditating in front of a Picasso, Braque or Léger painting is indeed more than a little bit elitist. But copies of such images or your very own slide show or museum VR-clip in this surrounding make this experience more affordable and compatible with living arrangements for millions of people of the middle class as well.

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Schaukel

Sagt die Lehrperson zur Schulklasse: Stellen wir uns alle jetzt mal alle eine Schaukel vor. Wie sieht die Schaukel denn so aus? Was gibt da so drumherum? Könntet Ihr nun bitte versuchen, die Schaukel auf ein Blatt Papier zu malen? Jeder hat seinen Bleistift und einige Buntstifte dabei. Einfach mal versuchen, es gibt keine Noten dafür. Es soll Spaß machen und wer möchte kann sein Bild anschließend den anderen zeigen. Schön, sofort wird es ganz laut in der Klasse und alle legen los. Naja, fast alle, das stille Mädchen aus einer der hinteren Bänke stockt und wirkt unruhig. Sie ist erst seit einigen Monaten in der Klasse und spricht noch nicht wirklich wie die anderen die Ortssprache. Da liegt wohl an der langen Reise, die die nicht mehr ganz so Kleine hinter sich hat. Die meisten Jungen und Mädchen erklären zugleich recht lautstark welche Schaukel sie malen werden. Die vom Garten hinterm Haus, vom Spielplatz nebenan oder sogar die Schaukel unterm Baumhaus im angrenzenden Waldstück. Bei den meisten Kindern steht rasch die Schaukel nicht mehr im Mittelpunkt der Kurzgeschichten, sondern die Freunde oder Kinder mit denen sie gemeinsam schaukeln. Nur unser stilles Mädchen erinnert sich mehr an ihren Reiseweg, bis sie dort in dieser schönen bunten Schule angekommen war. Das waren viele Stationen, von denen sie gar nicht erzählen möchte oder gar ein Bild malen möchte. Die meisten Erinnerungen war so, dass sie diese lieber für sich behalten wollte. Zu weit weg waren sie von den aufgeregten Erzählungen und fantastischen Geschichten der anderen MitschülerInnen. Doch dann hatte sie doch ein Bild vor Augen. Ein Spielplatz in einer großen Stadt, Berlin genannt, ist ihr in Erinnerung geblieben. Als sie diese Schaukel grob, ohne Farbe nur mit Bleistift auf das Blatt skizzierte, keiferte der Banknachbar schon: So sieht doch keine Schaukel aus! Die Neue kann noch nicht mal eine Schaukel malen. Das stille Mädchen blieb weiter still, wusste sie doch genau, dass ihre Schaukel eine Überraschungsschaukel war. In der großen fremden Stadt war ihr diese Schaukel aufgefallen, denn sie war fast so schön, wie die Schaukel an dem starken Ast des Baumes, im Garten ihrer Großeltern. Dadurch verknüpften sich ihre vielschichtigen Erinnerungen zu einem Bild. 

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Caillebotte

Gustave Caillebotte has done it again. Son of a great beneficiary of war efforts himself. He started with support from his father’s fortune on a painting career. Soon after his father’s death, he joined the group of “alternative artists”, later called the impressionists in France. On the 1.2.2023 the Musée d’Orsay acquired a key painting of Caillebotte for 43 Million € with the help of a donation by LVMH. Where does the hype come from? A catalogue of the exhibition of the painter “Gustave Caillebotte, The painter’s eye” from the National Gallery of Art in Washington from 2015 established Caillebotte again as a key person of the impressionist movement. Rich in diversity of motifs, the painter and supporter of the impressionists (Philantropist) has foreseen the challenge photography could bring to painting. The painter’s eye is well explained by Michael Marrinan (pp.22) in the catalogue. In fact, the spatial depth of the views of the streets of Paris is a precursor to many photographers and movies of several decades later. Caillebotte’s images of Paris depict well the mixed feelings about a daunting city size and the isolation of people captured in their own little inner circles with little communication despite or because of the noisy surroundings. Misty atmospheres allow to focus on impressions. Almost meditative walking in the city is his modern topic. Reflecting on painting as profession versus painting as artist is somehow an impressionist’s sociology of professions. Gustave Caillebotte did not have to paint for money and he was aware of social class differences as son of a factory owner. It did not spoil his artistic view with social facts, but rather tried to reveal the intrinsic beauty not only of landscapes, but ordinary working people. Other impressionists painted beautiful ballerinas, Caillebotte painted workers and sometimes more challenging parts of Paris in his early years. With climate change near Caillebotte’s home in full swing, we shall “adore” the rainy days in Paris even more. And in the countryside, too. The painter’s eye reveals a visionary view of the modern and post-modern world.

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Flotow Stradella

Die Oper Stradella von Flotow wurde in 2006 eingehend besprochen. Sarah Hibbert hat ein immer wieder aktuelles Thema: Wie sollten vorherige Stilepochen in der Aufführungspraxis und der Komposition behandelt werden? Die Legende über den Sänger Stradella, der einem Fürsten die Braut ausgespannt hat und deswegen ermordet werden sollte, bietet einen interessanten (sex and crime) Plot. Wegen der Gesangskunst des Verführers, wollten die bestellten .Auftragsmörder den bezaubernden Sänger nicht töten.  Tatort ist der Auftritt der Sängers in einer Kathedrale. Fritz von Flotow und Louis Niedermeyer haben beide fast zeitgleich eine Version des Librettos vertont. Es stellt sich nun die Frage, wie denn am besten der historische Stoff aus dem 17-ten Jahrhundert darzubieten ist. Beide Komponisten komponierten im Stil der romantischen Oper des 19-ten Jahrhunderts. Flotow wählt eine stärker historisierende Variante der mittelalterlichen Musik der Stradella-themen in seiner Oper. Die Klangfarben der mittelalterlichen Kirchenmusik passen aber nur schwerlich zu den Erwartungen des zeitgenössischen (1830er) Opernpublikums. Daraus resultiert,en eine spannende kompositorische Aufgabe und entsprechende Herausforderung für die Aufführung des Werks. Darüber hinaus müssen noch Unterschiede zwischen der ersten mehr populären Form der Oper für Paris (Vaudeville) und der später in Hamburg uraufgeführten Version der Flotowschen Stradella Fassung beachtet werden. Historisierung mit Anlehnungen an Gesänge von Palestrina sind nicht der Geschmack eines jeden im Publikum und der Kritiker. Grund genug, in die Opern mal wieder reinzuhören.  Den Tenor, die Arie “Jungfrau Maria” singend, hätte ich wahrscheinlich auch nicht als Auftragsmörder töten können. Rolando Villazón ist darin recht überzeugend.
Quelle: Hibbert, S. 2006. Murder in the Cathedral. Stradella, Musical Power and Performing the Past in 1830s Paris. Music & Letters Vol 87 Nr. 4. doi:10.1093/ml/gcl081 (Photos, KS Kathedrale in Meaux, F).

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White

White is white, we may say, just like in the song of the mid 1980s “Live is life”. Raimund Girke focused his paintings around the notion of white. White is pure energy he writes on his webpage summarising somehow his activity between 1986 and 1999 before he turned 70 years old. The energy of white can be experienced at the gallery and arts centre of Alex Vervoordt near Antwerp. Set in abundant white and otherwise empty space the paintings of white reflect Girke’s idea that white is rest and movement. The developmental process of white in the work of Raimund Girke reflects for me a conceptual proximity to the artists’ group of “zero”. Light and shadows are parts of the same coin. White is the sum of all colours, not only in the physical definition of it. Hence, white can serve as reflection of space and transposition of movement.
The experience in the gallery of Vervoordt allows to come to grips with our own perception of white. It needs a huge white space around the paintings to get into the mood of, maybe, purity. It is by putting colours together that white comes into existence in the spectators view. In seeing white, we see many additions of other colours. That creates the impression of energy. Up to you to test it, maybe, virtually live.

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Flotow Kontroversen

Während Flotows Lehrjahren in Paris ereigneten sich historische Ereignisse, wie zum Beispiel die Pariser Juli-Revolution 1830, Commune oder die 1848er Revolutionen in Paris und Deutschland. Später sollte der dt-frz. Krieg 1870 ein weiters einschneidendes Erlebnis darstellen. Über all diese historischen Verwerfungen hinweg sind Kunstschaffende ständig den nationalen Vereinnahmungen und Verwertungen ausgesetzt. Bei Flotow äußerst sich das in den Intrigen von unterschiedlichen Seiten, die gegen ihn gefahren werden. Von deutscher Seite mal als Demokrat verunglimpft (s.u.), wird er in Frankreich als frankreichfeindlich bezichtigt. Aktiv dagegenhalten, gehörte schon damals zum Geschäft im europäischen Raum. Mit dem Eintreten für Autorenrechte an Werken und deren Aufführungen schaffte er sich sicherlich nicht nur begeisterte Freunde in der Theaterwelt. Vergleichbar dem Disput über Patentrechte zu Hörnern, Trompeten und dem Saxophon, musste die Lebensgrundlage für viele Komponierende erst noch geschaffen werden. Eine Nominierung als Korrespondent der „Akadémie des Beaux-Arts“ ist da eine tolle Anerkennung. Die Probleme von höchst prekären Lebensverhältnissen von Kunstschaffenden im weitesten Sinne bleiben eine ständige Aufgabe und Herausforderung (Mäzene). Der kleine Fritz von Flotow hatte in seiner Kindheit mit genau diesen Einstellungen gegenüber dem oft brotlosen Beruf des Kunst– und/oder Musikschaffenden zu kämpfen. Als streitbarer Aristokrat mit demokratischen Zügen fiel er mitten in die soziale Zerrissenheit und politischen Wechselbäder des 19. Jahrhunderts.

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Sax and the Sax

Adolphe Sax is celebrated for his celebrated design of musical instruments in what it known and played as the Sax family of musical instruments. Most museums around the world have an example of an early Sax instrument in their collections. Beyond the many fascinating musical delights and emotions produced with the instrument, there is a century-old debate around the issue of the patent attributed to the various designs claimed by Adolphe Sax for the Saxophone among others. The patent attribution was hugely different across Europe in the 19th century (largely inexistant in other parts of the world at the time). The reason for this were differing laws guiding intellectual property rights. “In France no preliminary examination was necessary before a patent could be granted; in Germany examination was obligatory; and … British patent laws, which allowed makers to register designs or apply for patents for developments that had been copied from abroad (imported inventions), as long as they had not been published in Britain.” (Mitroulia and Myers, 2008 p.93). There is a well-documented controversy about the “Berlin valves” and the contested patent in France of it. Design of instruments, particularly popular ones, guarantee sizable earnings for producers of instruments. After 20 years of the 1846 patent in France 1866 the patent expired and the copies could become even cheaper. Some ugly disputes in the middle of Europe were fought around this issue. Remember that military music was still accompanying troops for better or worse. “Visionary or plagiarist? The authors are unable to give a simple verdict. … The fact that Sax claimed originality for some borrowed ideas seems in retrospect less important than the true vision shown.” (Mitroulia and Myers, 2008 p.135). We might not agree with this statement. The visit to the MIM in Brussels gives a good overview of the evolution of musical instruments over thousands of years and across continents, which pushes us to rethink the link of society and technology through the lens of music and technology. Welcome to techno music beyond patent laws. Pushing the boundaries of copyrights on sound sequences to new limits.
(Sources: MIM Brussels, Rice A. R. (2009). Making and improving the nineteenth-century saxophone. Journal of the American Musical Instrument Society. 35:81-122. Mitroulia, E., A. Myers. (2008). Adolphe Sax: Visionary or plagiarist? Historic Brass Society journal, 20, 93-141).

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Flotow Singelée

Frédéric de Flotow hatte sicherlich in Jean-Baptiste Singelée einen Fan. 2 seiner frühen Opern, Stradella und Martha, wurden mit Fantasien für Violine und Klavier von Singelée neu arrangiert. Der Geiger, Dirigent und Komponist Jean-Baptiste Singelée, geboren 1812 in Brüssel (damals noch zugehörig zu Frankreich) ist in Ostende 1875 verstorben. Eine spätere Würdigung im Kursaal in Ostende mit einem Konzert verdeutlicht die Wertschätzung über sein Wirken als Konzertmeister und Dirigent hinaus u.a. in Brüssel. Sein kompositorisches Werk ist beachtlich, auch wenn seine einzige Oper vielleicht nicht so viel Nachhaltigkeit erreicht hat, trotz des einprägsamen Titels: „Les dentelles de Bruxelles“. Uns interessieren hier seine Fantasien basierend auf Themen von Flotow, die als Drucke erhalten geblieben sind und in der „public domain“ einsehbar sind. Interessant ist auch die gemeinsame Zeit am „Conservatoire Royale de Musique à Bruxelles“ mit Alphonse Sax, der später die Patente auf die Instrumentenfamilie der Saxophone erlangte. Klassische Musik populär machen, war schon ein frühes Bestreben vieler Komponierenden und Musikschaffenden. Ganz nach dem Motto: „Ich mag keine Klassik, aber das gefällt mir“ werden so Personen erreicht, die sich ansonsten für ganz andere Musik und Rhythmen interessieren. Da hat der Fritz oder Frédéric de Flotow vielleicht noch mehr Chancen in der Unterhaltungsmusik. Mit Jacques Offenbach verband ihn eine Freundschaft, die “Co-creation” hervorgebracht hat. Beide verdienten sich wohl etwas Geld für den Lebensunterhalt in Paris in jungen Jahren.

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Dumky

In cultural performances it is always interesting to refer back to titles given or attributed for example to music pieces. Dumky is the title of Antonin Dvořák’s 4. Klavier-Trio opus 90. In the late 19th century Antonin Dvořák found inspiration in the notion of Dumky. Rather than just composing a “Trauergesang with few joyful intermezzi” he creates a new form for this Trio containing, quite unusual, 6 parts. Dvořák plays around with structure and sharp swings from “piano to forte” parts, “moll to dur” intonations reflecting sorrow and joy in frequent and refreshing short sequences. It feels sometimes like fireworks, but at times the sorrow of soldiers and their families becomes evident as well. However, the music proves resilient. Knowing that Dumky is a Ukrainian word and notion, the choice of one of the masterpieces of Antonin Dvořák  close to the 24.2.2023, the day of the anniversary of the Russian attack on Ukraine is a commemoration of the sorrow caused by war and ways to overcome it. The “Concerts de Midi” of the Musée des Instruments de Musique” allowed us to travel through Ukraine a bit and experience the longing for better times. Joy will eventually prevail there again just listen to Dvořák’s version of the Dumky. Superb and effectful presentation of the work by the “Trio Impression” made for a memorable lunch break in the city centre of Brussels. The (virtual) visit of the Museum should be one of the attractions of visitors to Brussels as well, not just for the Art Nouveau architecture, but for the inclusive “global music” collection.

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Aphorismen L

Lichtenberg hatte den späteren ausufernden Individualismus spekulativ in seinen Aphorismen vorweggenommen. Im ersten Band der Sudelbücher schrieb er bereits: „Je länger man Gesichter beobachtet, desto mehr wird man an den sogenannten nichtsbedeutenden Gesichtern Dinge wahrnehmen, die sie individuell machen.“ (1976, S.25). Unsere Fototechnik und soziale Medien haben eine wahre Revolution durch die Flut der allgegenwärtigen Fotos geschaffen. Was früher der Spiegel war, ist längst der schnelle morgendliche Blick in die Kamera des Handys geworden. Intelligente Spiegel wären also die durch Kamera aufgenommenen und direkt auf einen größeren Bildschirm übertragenen Bilder. Das Hautscannen auf Melanome oder checken von depressiven Phasen könnten eine frühzeitige Erkennung ermöglichen. Sollten wir das wollen? Aus derartigen Hinweisen lässt sich sozial invasiv Gefahren für den Einzelnen, die Einzelne ableiten, aber eben durch Bezug des Einzelfalls auf verallgemeinerungsfähige Vergleichsfotos. Gesichter länger anzusehen, das hat seine sozialen Grenzen. Mit Breughel durften wir das dann. Kindern wird früh erklärt Personen nicht anzustarren, dabei trainieren sie so, was das einzelne Gesicht so singulär macht, die Augen, Ohren, Mund, Zähne, Nase oder Schattierungen. Donatello, gepriesen als der Erfinder der Renaissance, spielte schon mit den Details der Gesichter. Mehr Mut zum längeren Hinsehen sollten wir aufbringen, auch beim Hinsehen auf einfache Charaktere, auf Armut statt Wegsehen. Oft ist David interessanter als Goliath. Die Rahmung des Bronzolino verstärkt geschickt eine zeitgenössische Analogie zum 24.2.2023.

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Flotow Potpourri

Über das musikalische Thema der Flotow Oper „Martha“ gibt es der heutigen Popmusik vergleichbar spätere verkürzte Versionen. Zu einiger Beliebtheit ist das Potpourri zu den Motiven von Martha gekommen. Kleineres Orchester und ein melodisches vereinfachtes Arrangement konnten für kurze Konzertabende verwandt werden. Der Komponist und Arrangeur Spasny Op. 65 hat Flotows Melodien aus „Martha“ publiziert (desgleichen von Wagner und Verdi). Die Kopie in der KBR Bruxelles ist ein kompletter Orchestersatz datiert von 1886 und 28.7.1894. Aufgeführt wurde das Potpourri im Kursaal von Ostende, wahrscheinlich für die Sommergäste in der Hafenstadt mit naheliegenden Erholungsgebieten und Küstenorten. Neben einigen schönen handschriftlichen Kopien für Violine (5 Seiten) oder Pauken (1 Seite, viele Pausentakte) ist die Partitur für die 1. Violino als „Conducteur“ (assisté?) ausgewiesen und sehr abgegriffen. Interessant sind die Anmerkungen und Einfügungen, wahrscheinlich zu wichtigen Parallelstimmen. Die komplette Streichung ab dem Larghetto am Ende der Partitur, anfänglich in Des-Dur, war vielleicht zu anspruchsvoll, für das zu erwartende Publikum. Ein F-Dur Abschlussakkord vorher klingt erholsamer, zumal im Urlaub nicht wahr. Der an einem Gag interessierte Musikfreund amüsiert sich an der Kritzelei am Anfang. Aus MARTHA; POTPOURRI ist Martha, Potpourrie geworden, was so viel heißt, wie „Martha verdorben“. Der Dirigent (Assistent? Es gibt noch ein sauberes Conducteurexemplar in der Mappe) hatte wohl einen schwierigen befristeten Sommerjob angenommen. Alternativ könnten wir das aber auch interpretieren als Kommentar zu der vereinfachten, aber verdorbenen Version der Flotowschen Martha als Originalstück. Genauer wollen wir das gar nicht wissen, oder?

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Flotow Europa

In der späteren Aufführungspraxis des Werks von „Fritz“ von Flotow, wie ihn seine Mutter in MeckPom nannte, sollte es für den in Frankreich ausgebildeten Jugendlichen einige Fallstricke zu überwinden geben. Bereits seine erste Oper „Alessandro Stradella“ hatte mit Produktpiraterie zu kämpfen. Der Übersetzer Gustave Oppelt (1844 Autor zu Stradella genannt BNF), mit Erwähnung auch von Alphonse Royer, hatten die Rechte des Librettos inne (Stempel des Dépôt Légal 1859 Nr 1139). Anlässlich der Erstaufführung in Brüssel am 2-3-1859 au Théâtre Royal de la Monnaie erschien das gedruckte Libretto versehen mit einem Echtheitsstempel. Bereits 1860 gab es dann Anlass, dass Gustave Oppelt mit der Unterstützung von „Frédéric de Flotow“ für seine Übersetzungsrechte kämpfen musste und dazu eine Notiz in der „La revue et gazette musicale de Paris“ veröffentlichen mussten. Autorenrechte waren und sind keine Selbstverständlichkeit. Die Lebensgrundlagen vieler Künstler, besonders der KünstlerInnen, auch heute, bleiben meistens prekär. Flotow war bereits beteiligt an Vereinen, die die Kompensation von AutorInnenrechten vertraten. Die „Dédicace“ an die königliche Hoheit  Madame la grande Duchesse Douairière Alexandrine de Mecklembourg-Schwerin, née princesse de Prusse (Link Stammbaum), versteht sich dabei wohl auch als Dank für die Berufung von Flotow als Intendant an das Theater von Schwerin, gleich neben dem schönen Schloss. Mäzene konnten wohl über Stellenbesetzungen KünstlerInnen ihr künstlerisches Arbeiten weiterhin ermöglichen. Flotow brauchte auch die Unterstützung, die ihn zu seinem Lebensende nach Darmstadt umziehen ließ.

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Ukraine 360

360 days of traumatising war of Russia in Ukraine. Yet, Ukrainians manage to stem the invasion this time for a year. My generation of baby boomers in Western Europe no longer knows the day to day horrors of war. A photo-realistic exhibition organised by Dr. Justyna Napiórkowsak together with the Ukrainian Embassy in Brussels brings to us more than images of destruction. The Exhibition builds on a transparent organisation. All day and night long you can feel and reflect in front of the gallery windows of what war means to people affected. Rather than passing over the daily horrific news, it is important to take in images that will last within you. Since the exhibitions excels in linking to strong own emotions, the images tell lasting stories. Communicating about war is difficult. This exposition at the “Mont des Arts 8” in Brussels, not far from the “Place des Martyres” is symbolic. Ukrainian artists are going to stay with us, showing us what “The year of resilience. courage, determination and solidarity” mean in the Europe of today. Ukrainian youth, like the whole population, demonstrates all of this in posing for their 2022 graduation photo (Stanyslav Senyk, 2022) actually within the ruins of their city. They seem to sing: “We shall build this city on rock and roll” again. Ukrainian culture is unique. Putin’s Russia is still living in the 50s state of mind. The Russian soldiers might soon have their 60s moment “make love, not war”. For persons with Russian roots in Eastern Europe it feels like what you believed or were told was a friend before is now turning around and you shooting at you including committing war crimes (Geneva convention) on you. The exposition is a “homage to Ukraine”, Ukraine’s resistance and resilience. Teaching us lessons, lessons we should like to learn fast for the survival of democracy and our way of life based on freedom not coercion. The sociology of war informs what the term “Zeitenwende” means. Look at it, rather than look away. As previous College Master at Jacobs University Bremen graduation ceremonies were very personal and emotional events meeting students, many with their families. Ukraine 3.0 will prevail eventually. Thanks, Justyna for putting images 360° and 360 days next to this optimistic message.

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Photo K

The self portrait is a timely topic for an exhibition of photography. As part of the European month of photography (EMOP), the PhotoBrusselsFestival offers a good overview of what photography deals with in the 21 century. The Korean cultural centre (KCC) in Brussels has a long tradition to serve as an exposition in the centre of Brussels (Sablon) and is joining this year’s photo festival. The 2023 photography festival has the “Self-Portrait” as a guiding theme. Rather than entering the debate about “portrait chosen or portrait endured” (Photographica 5,2022) the self-portrait has more degrees of freedom in it. Even if it is apparently a choice to portrait oneself, there are ample examples, where the urge to produce a self-portrait is part of a wider concern for fundamental issues.
The exhibition of 5 artists from Korea at the KCC invites us to reflect on the pervasive self-portrait practice all around us. The self-portrait is not only a tool of self-reflection, which has a long tradition in art (just think of a famous drawing by Albrecht Dürer of himself), but self-portraits are also pervasive on media and social media today. Additionally, the self-portrait is a powerful tool of thinking and imagining yourself at various stages of the life-course. For centuries it had been a social or political privilege to have your portrait taken. It still is to some extent, but only if the person taking the photograph, has a special reputation. In a market difference to the selfie, the exhibition of artists in the KCC highlights the process of self-reflection that is part of creating the portrait as well as the ensuing reflection by the spectator. In looking at the self-portrait of the photographer, we might involuntarily deal first with our own perception of the image. Danger, dreams, fantasy, sorrow, pain, self-assertion and reconstruction of the self, all these themes come to mind when confronted with the self-portraits of the 5 artists (Bae Chan-hyo, Jeong Yun-soon, Lee Jee-young, Ahn Jun, Choi Young-kwi).
KCC director Kim Jae-hwan names this collection, curated by Seok Jae-hyun, “An odyssey of images leading to self-re-flection”. In referring back to the protagonists in novels from Hermann Hesse, he points our attention to the “unique journey through images as they find themselves”. To embark on the journey visit KCC in Brussels, ask for a copy of the catalogue or start by reading the title of the exposition: “Who Am I” – it is apparently no longer a question after the journey. Is it for you?  More reflection on images and photos here.

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Affordable Art

The affordable art fair in Brussels 2023 has different rules than other art fairs. First of all, well behaved dogs are allowed to visit. Underdogs might have a problem. The entry fee is an astonishing 20€, only 5€ less than “Brafa”. Inflation hits affordable art apparently more than the prestigious fair, at least at first impression. It remains questionable, whether artists represented as affordable art can actually afford to make a decent living from their art, now and at retirement. Taking into account the cost of rent, material and working time of artist, gallerist and transportation, art is frequently the art of minimalist approaches. The “garbage cycle N18” by Alessandro Gerull presented by WinArts challenges our habits of endless production of garbage by use of recycled material for making art. Not an entirely new idea, but still intriguing at affordable prices. Similarly, from the same gallery the work from Golsa Golchini invites us to “Remember to water the plants” as we might have asked somebody to help us out.
Re-use of material or innovation in photography are present at many places. Discovering new talents at affordable prices is a feasible feature of affordable art around the globe. The thresholds of entry are considerably lower than at Brafa. The surroundings of the old Tour & Taxis Logistics Centre in Brussels are an interesting excursion in modern renovation of old industrial sites as well. Not many skill-shortages in arts, except the more critical and provocative artists probably have still a hard time to find their way into galleries and art fairs. Other cities dare more daring art, be it affordable or not. The concept is a bit like coffee or “art to go”, quite many people walk away with a nice, little parcel in their hands. Even participatory art is represented, a kind of do-it-yourself, or finish it yourself drawing. It is fun to experience and to be part of affordable art of that kind to leave with some positive vibes (Roxehga). Enjoy!

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Art Un-Fair

The Brussels Art Fair (Brafa 2023) with its long tradition is certainly a major highlight in the world of art in Brussels. In view of the languages spoken at the fair, mainly French and Dutch, some English with here and there a word in Spanish or German, the international reach is probably still not at the level of before the corona crisis.
The availability of established, internationally recognized art over many centuries on the art market is remarkable. Whereas before the crisis speculators bought art to shield their fortunes from a high inflation and/or politically instable period, nowadays it seems to me, that some art is returning to the market due to the need for liquidity of speculators or risks of confiscation in case of dubious previous acquisitions or ownerships. Renowned galleries, of course, provide impeccable certificates or information on them, a tricky business in itself. Anyway, the tour on the fair is a “parcour” through the history of art, mainly through the Western or European arts across centuries rather than decades. Most persons will find splendid examples according to their preferences of art ranging from paintings, sculpture, prints or other artefacts. Beyond the impressive individual art work, the arrangements and “mise en scene” of art is another learning experience at the fair. Whereas most public museums are happy to make accessible as much as they can of their collections and archives, the private art market has another objective. Effective and convincing presentation of the artefact is likely to “enrich” the value of art work as well as the seller and the dealer. Technology allows great lighting and some otherwise “sombre” artwork becomes a shiny little piece catching eyes, hearts and wallets. For some visitors it works probably the other way round.
For persons overly stimulated by art, I recommend to close the actual or virtual visit with a look at the little bit cheeky artwork presenting Belgian chocolate next to royalty (Gallery Delaive, showing Peter Anton’s “Paradise Variety” next to Andy Warhal’s depiction of a Queen, see below or their Instagram presentation). A sublime moment to repeat the experience at home at moderate prices with your very own box of chocolates. At a price of 10€ each box you can enjoy roughly 2000 of them for the price of the art work. The question is: What is more healthy? Think about mental health as well. Alternative question: Art on a Fair is fair, unfair or fair traide?

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Romanatik2

Zur romantischen Periode gehören die bekannten Lieder von Schumann und Schubert. Meine Auswahl dazu liebäugelt besonders mit den Liedern zum Lindenbaum. Die Linde mit ihrem süßlichen Duft an warmen Tagen hat Malende der Romantik sowie die Dichtenden und Komponierenden betört. “Am Brunnen vor dem Tore da steht ein Lindenbaum …” kannte vor 50 Jahren jedes Kind. Etwas weniger bekannt sind die fabelhaften Rückert-Lieder von Gustav Mahler: “Ich atmet’ einen linden Duft …”. Für mich steht dabei die Atmosphäre in der Nähe der Linde im Vordergrund. “Unter den Linden” assoziieren viele nur noch mit der Verkehr in der Hauptstadt auf dem Weg zum Brandenburger Tor. Zum Reinhören und Reinversetzen in die Romantik sind die Lieder ein idealer Weg. Der Frühlingsglaube (Schubert Op.20.2) besingt die linden Lüfte und das Aufblühen der Natur. Es keimt die Hoffnung auf, dass sich alles zum Besseren wendet. Doch etwas Skepsis ist schon angebracht. Im Lied “Die abgeblühte Linde“, ebenfalls von Schubert vertont, ist dann das Altern und die Treue thematisiert. Der Zyklus der Natur und Jahreszeiten nimmt scheinbar unaufhaltsam seinen Lauf. “Nur der Gärtner bleibt ihr treu, denn er liebt in ihr den Baum”. Das weise Herz will Gärtnern und erhalten, was so viele Emotionen und Optimismus hervorgebracht hat. Wir müssen die Bäume retten, aus Pflicht die Romantik inklusiv und erlebbar zu erhalten. Dazu können wir mit den Linden ja schon einmal anfangen.

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Photo

Photography has captured our imagination for years already. It is now a daily activity of many people to “capture their experience”, if not even their existence in some photographed way. Susan Sontag (1977) coined the phrase that photography “feels like knowledge – and, therefore, like power”. You are in a relation to the world. Taking the photograph in my view is the Mephistopheles moment. You are in control of the object taken by the camera. Arranging the scenery, waiting for the perfect moment, expression, light or colours is like mastering a situation, an atmosphere, an emotion. Photographs have the power to work as document. Editing has become easy and pervasive with digital tools. However, it was always present in the traditional technical parts of shooting and developing subsequently in the dark room. Being taken on a photograph is more like the Faustian moment of realising that you are manipulated, or at risk of being made use of for some purpose unknown to you at that moment. Beware, a photograph is always just an image of an image. The photographer is the intermediate person using a specific technology to transform his perception or vision of reality into another image of it, creating a some form of virtual reality. In addition to this twofold transformation, the third transformation is historically the technical development of the negative into the print (see below). Nowadays, this is the compression and editing into a specific format. Despite these transformations, a photograph is admitted in court cases as providing evidence of guilt or to identify an illicit act (excess of speed limit). Infringements on privacy are the rule rather than the exception. Who is that person sitting next to you and at what time of the day?
I apply photographs like note-taking for my research to capture spontaneous ideas or associations which await further interpretation or serve as inspiration. Painting has been an elitist artistic practice for many years. Taking photographs has democratised the image-taking art forms. Instead of originals we have collections of photos from museums around the world. We take photos of photos to reveal the world around us and reflect on values. The social construction of the world is directly visible through the process of taking, collecting and curating photographs. Construct your own world or the world will construct or deconstruct you instead. Politicians (e.g. Angela Merkel), John F. Kennedy or historical figures, all had their defining moment condensed into one or several photographs, paintings before. Susan Sontag wrote 50 years ago: “… a photograph can be treated as a narrowly selective transparency”. The third transformation of developing and/editing shown in the images below explain what she might be understand from this citation in a technical sense. Just as courts have to evaluate whether a proof is admittable and contributing to finding the truth. Viewing photographs is a balancing act between art and truth. “Even when photographers are most concerned with mirroring reality, they are still haunted by tacit imperatives of taste and conscience.” (Sonntag, p.6). Photographs document sequences of consumption, CO2 footprints we should frame this in the 21st century. Restricting print to a few “best of” was necessary to reduce the dirty footprint of photography, particularly since photos have become a mass media as much as the preferred media of masses. With photos we certify our own certificates for job applications or passports even. The “cosmopolitans accumulating photograph-trophies” we encounter in all instagram-able locations. Taking photos is like a “friendly imitation of work” (p.9), you do something useful in documenting the images of a world in danger of being lost. We can give importance to otherwise forgotten realities, attach importance even immortality to something or someone of our choice. We make history through it or try to make it at least. “When we are afraid, we shoot. But when we are nostalgic, we take pictures.” (p.9) Sontag defines photographs as part of the repertoire of surrealism (p.77 ff), “to finding beautiful what other people found ugly or without interest and relevance …”). We at risk to mistake photographs as reality and experience the original as “letdown” (p.147). The return to polaroid instant photography brings us back to the authenticity of the orginal, unique moment with supposingly unfiltered not-edited images. The true moment of having had fun or joint experience without photoshopping the missing member. I take photos, therefore I am, has become the mantra of modern societies. We tend to ignore that we are taken on photos a million more times than we take some ourselves. A question of power in the end. Edit yourself or you become edited.  (Prix du Tirage photographique BnF 2022 Laurent Lafolie, photo below).

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Flotow Analyse

Interessant ist der Aufsatz über Flotows’ Martha, der vor einigen Jahren in einer musikwissenschaftlichen Zeitschrift erschienen ist. Anselm Gerhard ordnet die Oper unter Berücksichtigung des Werdegangs des Aristokraten Flotow dem französischen Stil der Oper zu. Das Schicksal des von Flotow war es wohl, mit seiner aristokratischen Herkunft aus Preußen, Deutschland, ein Uraufführung in Österreich, dann mit Bel Canto assoziert überwiegend auf italienisch aufgeführt zu werden (Metropolitan Opera 1914? mit Caruso), aber ein französisches Opernschema basierend auf einer irischen Volksmusik mit einer Story in England zu verbinden. Kosmopolitisch nennen wir das im 21.-ten Jahrhundert, nicht oder schwer nationalistisch verwertbar im 19. und 20.-ten Jahrhundert. Für die Handschriften ist es wohl am besten, gleich in die Bibliothèque nationale de France (BnF) zu fahren. Im Saal Richelieu ist das dazu passende kunstgeschichtliche Ambiente noch nachvollziehbar. Quelle:
Gerhard, A. (2004). „Tinta musicale“ Flotows „Martha“ und die Frage nach Möglichkeiten und Grenzen Musikalischer Analyse in Opern des 19. Jahrhunderts. Archiv für Musikwissenschaft, 61(1), 1–18.

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Zigarre

Die Zeiten, in denen Zigarrenrauchen Schlagzeilen machten, sind eigentlich lange vorüber. Heute wundern wir uns lediglich über die Sorglosigkeit der Personen bezüblich ihrer Gesundheit. Friedrich von Flotow hat die Szene im Salon de Marquis de Custine (Paris) in seinen Erinnerungen vorzüglich beschrieben. Die Schriftstellerin George Sand hat die Gemüter mit dieser Rauchszene nachhaltig inspiriert. Frédéric Chopin (1810-1849) hat an diesem Abend seiner (späteren) Mäzenin eine Ovation dargebracht. Flotow hatte sicherlich einen inspirierenden Abend verbracht. Seine unveröffentlicht gebliebenen Memoiren wurden von seiner 3. Frau publiziert. Ein Vorabdruck auf Schwedisch habe ich in der Svensk Musiktidning vom 15-8-1883 gefunden. Datiert ca 6 Monate nach seinem Tod, heute vor 140 Jahren, ist das eine Würdigung des Komponisten in Schweden und eine Anerkennung der Aufarbeitung und Verbreitung seines Werks durch seine Frau. Die Aristokraten und ihre Kreise waren Anregung für viele künstlerische Kreise. Das wohlhabende Bürgertum hat später diese Rolle übernommen. Heute brauchen wir zahlreiche öffentliche und private Stiftungen oder Crowd-Funding für diese Events und Inspirationen.
(Quelle: Flotow, Friedrich von. (1883). F. von Flotows minnen. II. En soaré hos marquis de Custine [Beskrivning av G. Sand (baronesse Dudevant) och Chopin]. Svensk musiktidning, 3(16), 121–122. )

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Writing

“Are you writing or what?”
New research on the fabrication of writing allows to debunk some of the received ideas about writers as living and drafting in a solitary space. However, the facts frequently show something different. In the journal of the BnF (images 2022), (Chroniques des la BnF Nr. 95 p.9 pdf-file) the BnF makes transparent the creative cosmos of Marcel Proust (Exhibition closed). From correspondence and other influential images, we learn about the “fabrique de l’oeuvre”. Far from writing his books from front to end in a linear fashion, Proust drafts “isolated sequences which he mounts, demounts and regroups sometimes even years later. These clippings of text are arranged by him like a patchwork, a collage rather than following a linear progression. Just peeping into the writer’s studio, drafting style and “paperoles” is fascinating. What a mess, some would say. What a huge imaginative space he has been living in, despite being reported to draft most of his work while actually being in his bed (Lire Magazine 12-2022). Beds are not always for sleeping, only. Today’s start-up enterprises frequently start from home, a century ago Proust demonstrated a lot can result from a very tiny physical space, but an enormous space in mind.

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Inspiration

Artists and scientists, all have their sources of inspiration. The most beautiful way of putting this is   contained in a poem by Jacques Prévert. “Moi aussi, comme les peintres, j’ai mes modèles…”. The source of inspiration varies from physically present models to imagined ones. Painters and sculptors, we imagine, have their models right in front of them and  build on their specific kind of observation, view and vision, seeing more or differently from others, at least since modern times. Poets and authors are believed to draw inspiration from abstraction and imaginative description and narration. Musicians tend to rely on hearing fine-tuned or creative tensions, as much as the resolution in harmonies through sequences of sound. All seem to have a sensitivity beyond the normal and a skill to find a way to transmit to others. Photographers catch representative moments or visualize artifacts and combinations of them in new ways. Scientists are not so different as we might think. Imagination of new hypotheses in established fields is part of their skill set. The transversal skill in all these processes of inspiration is the openness to cross-discipline fertilization. So-called Polymaths reached excellence in more than one field of science, “Polyartists” touch several fields of different arts. Further new innovative combinations of disciplines like they are practices in “centres of advanced studies” are a first step to brings down walls in mindsets and disciplinary ivory tower practices. It will take only a tiny little step forward to come back to the practice of royal courts. The person called “fou du roi” had an important role to play, not only in the game of chess, but in questioning and entertaining leaders. I wish universities, science centres and ministries would allow themselves more of this kind of inspiration. Inspiration is considered here as a source of questioning your own approach from another perspective. Look at your phenomenon of interest with a different model or imagination in mind. New synapses will follow. Let us welcome them to make the world around us a better or more beautiful place. Wait, is more beautiful enough already? Is this a contradiction, better versus more beautiful, or is the latter a subset of the former, or is a tautology anyway? The catalogue of the exposition “Archives des rêves” du Musée d’Orsay gives plenty of insights into images as sources of inspiration for people of all walks of life.

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Giselle

Once upon a time, not at the Opera de la Bastille, but next it, in a small theatre called Théâtre de la Bastille, the fairy tale of “Giselle…” was performed. The world-famous ballet Giselle (Karlsruhe Programmheft) is still amongst the most frequently performed magic piece of classical ballet. What is it about? In short: sex and crime. Yes, and it sells well.
Francois Gremaud tells the classic story of excitement, love, deception, death, regret, haunting and memory in a concise and witty fashion. The exemplary dancer is at the same time the narrator of the story as well as the critic and art historian accompanied by a 4 musicians strong orchestra. The educational piece with a “womanxplainer” on stage is great entertainment, full of references, why it is still okay to like the piece in spite of its fantasy-loaded content. Modern dance (Cunningham, De Keersmaeker) has decoupled or emancipated movement from music. In classical ballet, at least, you still know what comes next and this is aesthetically appealing for most people. Besides Wilfried, no he is not part of the “Wilis” (could be an interesting variant), but in the ballet there figures “Hilarion”. He is not hilarious at all. Splendid entries are from Myrtha (close to Martha, but not quite the same) and, of course, Giselle, when she leaves her tomb and turned into a “Wili”. Then there is Albrecht in a pas de deux with Giselle, swirling between earth and space. Aldi dances like mad on impulse from Myrtha, but Giselle vanishes nevertheless. End of story, or is it? Giselle is a Wili and Aldi is the wally. Maybe the story could be retold like in the film “Billy Elliot – I will dance”, which is an emancipatory tale where dance is the liberation rather than part of the dooming fate.
Francois Gremaud with the astonishing performer and choreographer Samantha van Wissen have created a version of Giselle that is musical, aesthetic, funny and critic. For those who enjoy an epic theatre version of Giselle including its “alienation effects”, referring back to Berthold Brecht, will want to read the script as well, kindly distributed as a gift after the show.

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Deconstruction

Deconstruction is a powerful tool or even method. Beyond imagineering, deconstruction in the literal sense means take to pieces. In most cases a physical object consists of several objects or parts. By deconstruction we attempt to understand the whole object as the sum of its parts. Before a new product or design is created, many scientists, engineers and artists start to deconstruct existing artefacts. Understanding how the object is assembled, for example, allows you to play around with pieces and maybe come up with an alternative way of constructing the object. The architecture of “deconstructivsm” has left us fantastic buildings. In furniture design there are also nice examples of deconstruction. Paris is a good place to study deconstruction (Explained), perhaps many still read Derrida there. It is a fruitful method beyond its engineering sense for example in law, literature or many other social science disciplines. If you are not mad yet, visit the MAD in Paris to see examples of deconstruction or construct your own deconstruction. Both have a dialectic relationship to each other anyway.